CINE INUSUAL EN MARFICI 2009

Cine Inusual: Autores ProfanosProgramación de "Cine Inusual en el Marfici '09"
Silvia G.Romero y Fabián Sancho
Director General: José Luis Jacobo
Productor Ejecutivo: Miguel Monforte
Más info:www.marfici.com


Presentación: Desde sus inicios, el "Festival de Cine Inusual de Bs.As." se ha propuesto indagar los aspectos menos explorados de la producción cinematográfica internacional y vernácula con el fin de cubrir las expectativas de aquellos que anhelan una visión fílmica diferente. Las estrategias de mercado y el predominio de fórmulas comerciales atentan, en muchas oportunidades, contra ciertos criterios 'no canónicos' de realización que desean escapar de las leyes de oferta y demanda comercial. Un objetivo a cumplir es, por lo tanto, facilitar el conocimiento de muchos autores clásicos y actuales que, al huir del estereotipo vigente, ofrecen una perspectiva ecléctica ya sea desde lo temático o desde lo visual. Para esta edición del "Marfici '09", se seleccionaron films de directores que han desacralizado las convenciones de su época imponiendo su sello distintivo y profanando el horizonte de espectativas cultural.


Selección:

"¡Viva la muerte!" (1971) Dirección: Fernando Arrabal. Guión: Claudine Lagrive y Fernando Arrabal (novela: "Baal Babylone" de F.Arrabal). Producción ejecutiva: Hassene Daldoul y Jean Velter. Fotografía: Jean-Marc Ripert. Edición: Laurence Leininger. Arte: Roland Topor. Música: Jean-Yves Bosseur. Maquillaje: Heger Daldoul y Phuong Maittret. Actores: Anouk Ferjac; Núria Espert; Mahdi Chaouch; Ivan Henriques; Jazia Klibi; Víctor García. 90 min. Francia/Túnez. P.M.18 años con reservas."Viva la muerte" esta situada durante la guerra civil española. Fando es un niño que ve como su padre es arrestado por los militares después de que su madre, fascista y católica, lo delata por colaborar con los rojos. Producto de este hecho traumático, Fando va creando su propia visión de lo acontecido con imágenes macabras y brutales donde conviven una monja transformándose en cerdo; un cura deglutiendo sus propios testículos; ingesta de gusanos y mutilaciones.La frase: "Viva la muerte, abajo la inteligencia" (lema de los legionarios de Franco) fue la razón del título de esta ópera prima que aún hoy da que hablar por su crudeza y que se convirtió en una de las opciones favoritas de John Lennon.Apostando siempre al surrealismo y a los presupuestos del "Teatro Pánico", Arrabal expone su clara denuncia al franquismo y sus derivaciones sin dilaciones. La forma de plasmar el militarismo en España, los fusilamientos, ahorcamientos y torturas es absolutamente radical. Cabe recordar que la extrema derecha provocó un atentado incendiando el cine donde se proyectaba la película.

"La mansión de Araucaima" (1986) Dirección: Carlos Mayolo. Producción ejecutiva: Liuba Hleap. Producción artística: Bertha de Carbajal. Guión: Carlos Mayolo (sobre novela de Álvaro Mutis). Fotografía: Ricardo Lalinde. Edición: Karen Lamassonne y Luis Ospina. Música: Germán Arrieta y Carlitos Gómez. Actores: Antonio Pitanga; Adriana Herrán; José Lewgoy; Vicky Hernández; Luis Fernando Montoya; David Guerrero; Carlos Mayolo; Alejandro Buenaventura; Luis Ospina. 85 min. Colombia. P.M.13 años."La mansión de Araucaima" representa el lugar donde las personas se encuentran atrapadas por sus propios temores y deseos reprimidos. La casa es un espacio psicológico donde todos quieren desprenderse de su pasado para sosegar recuerdos y frustaciones. Un fraile, un piloto convaleciente, un sirviente haitiano, un guardián mercenario y la dominante Machiche deben lidiar con la pasión que desata una joven modelo. Esta irrupción en sus vidas termina propiciando la liberación de los instintos más primitivos. Basada en el cuento homónimo de Álvaro Mutis, el film innovó en lo que se dio en llamar "gótico tropical" estimulando la presencia de elementos surrealistas. Para Mayolo, esta denominación se debe a que pudo combinar una pequeña cuota de misterio con la etnia de su país. Una irrefutable pieza de culto del cine avant-garde colombiano que se alzó con cinco galardones en el "Bogota Film Festival '87": Mejor Director; Mejor Actor; Mejor Actriz; Mejor Fotografía; Mejor Edición.


"Ellos robaron la picha de Hitler" (2006) Dirección: Pedro Temboury. Producción ejecutiva: Eduardo Torallas Pizarro. Guión: Pablo Álvarez Almagro y Pedro Temboury. Fotografía: Benjamin L.Gordon. Música: Jorge Muñoz Cobo (Jorge Explosión). Edición: Lourdes Olaizola. Maquillaje: Raquel Tom. Vestuario: Javier Núñez González. Actores: Pablo Cassinello; Tomás Cimadevilla; Carolina Cruz; José María Cruz Piqueiras; Jesús Franco (Jess Franco); Manuel Gancedo; Paul Lapidus; Jaime Noguera; Bibian Norai; Lucio Romero; Christian Sampedro; Silvia Superstar; Manuel Tallafé. España; 80 min. P.M.18 años.La tumba del führer es descubierta por unos trabajadores turcos. Dentro, yace el cadaver de Eva Braun quien custodia, en una urna incorrupta, el "miembro" del susodicho. El doctor Weissman decide, entonces, robar la picha y "clonarla" para traer de vuelta a Hitler y crear un ejército de dictadores. Para ello, contrata a cuatro skinheads quienes se enfrentarán a un grupo de amazonas guerreras que desean, también, recuperar el pene del jerarca para disfrute personal. Este segundo largometraje de Pedro Temboury, creador de "Karate a muerte en Torremolinos" representa un dardo ultra-filoso dirigido al más exquisito "establisment" cinematográfico actual y a los críticos de "qualité". Rodado en Málaga, se puede decir que la idea está tomada de "They Saved Hitler’s Cock", del grupo punk Angry Samoans. En el film, no falta la presencia como actor de Jess Franco, veterana personalidad del cine español, cultivador de subgéneros denostados como "Diario íntimo de una ninfómana" y "Colegialas violadas", a quien Temboury profesa una particular admiración. También, se destaca la participación de Silvia Superstar, protagonista de "Killer Barbys", otro disloque subversivo de Franco, aquí homenajeado por la presencia de la curvilínea actriz.


"Punk Love" (2006) Dirección/Producción/Guión/Edición: Nick Lyon. Actores: Chad Lindberg; Emma Bing; Max Perlich; Robert Blanche; Craig Richards. Italia/Usa. 102 min. P.M.16 años."Punk Love" es, probablemente, la más atípica "tragedia americana" juvenil del nuevo milenio; una historia de amor incondicional que se desarrolla en el marco de una ciudad oscura, cínica y corrupta. Dos adolescentes luchan por sus sueños de inconformismo en una sociedad conservadora que incluye, como no podía ser de otra manera, la figura de un "padrastro abusivo". Sarah es adicta a la heroína y adora a Spike, un "outsider" de 21 años dispuesto a jugarse entero por ella. La película presenta un trabajo 'inquietante' de la imagen y un trabajo de edición llevado a cabo por el propio director, quien no sólo es el responsable de todos los roles técnicos, sino también, el artífice de este "cuento de hadas siniestro" donde dos ángeles caídos se pasean errantes por los laberintos del desamor filial.Nativo de Portland (Oregon), Nick Lyon permaneció nueve años en Alemania. Allí, dirigió un thriller llamado "I Love You, Baby" que incluye al polifacético Maximillian Schell. "Punk Love" es su segundo trabajo. Esta fábula, que recuerda la "Wild At Heart" de David Lynch, permitió que el realizador lograra el reconocimiento internacional deseado. Así, obtuvo varios premios, entre ellos: Mejor Película en el "Roma Independent Film Festival '07"; Mejor Director en "The DGA Directors Award" (Moondance '06) y Mejor Actor en el "Drake International Film Festival" (Caserta, Italia '07). Otros films de su autoría:"Grendel" y "Doomsday".


Foco: "Guy Maddin: El artesano del milenio"Guy Maddin, enfant terrible del cine canadiense, puede ser considerado el nuevo "artesano del milenio". Elevado, por muchos, a la categoría de "realizador de culto", sus incursiones innovadoras en el manejo de la audiovisión y la recuperación de formas estéticas olvidadas le han dado un sello indiscutible y su obra, puede equipararse a las aventuras de "imaginería y ensueño" de directores como Terry Gilliam y los Quay Brothers. Su carrera cinematográfica cuenta con títulos inolvidables como “Tales from the Gimli Hospital”; “Archangel”; “Careful” y "The Saddest Music in the World", producciones vistas, en su momento, en salas alternativas por reducidos grupos de amantes de lo contracultural. El Marfici '09 y el Festival de Cine Inusual han querido homenajearlo a través de una retrospectiva de films esenciales inolvidables.



Cortometrajes

"Sissy Boy Slap Party" (1995) Dirección/Guión/Fotografía/Edición: Guy Maddin. Actores: Noam Gonick; Caelum Vatnsdal; Simon Hughes; Michael Powell; John K. Samson; Leith Clark; David Lewis; Don Hewak. 6 min. Canadá. P.M.13 años.Cercano al espíritu del "slapstick americano" que tanto fascina al director, "Sissy Boy Slap Party" es uno de los trabajos tempranos de Guy Maddin. Presenta un montaje frenético y recursos visuales como el clásico "blanco y negro contrastado"; encuadres excéntricos e imágenes degradadas. La película refiere a un grupo de marineros que sin "autoridad a la vista" emprenden una lucha de tortas hasta caer extenuados. La figura del "poder" está representada por un anciano que se traslada en bicicleta con el fin de comprar "condones". El ambiente naturalista, metáfora del "entorno vital" caro al espíritu del autor, también fue problematizado en "Careful", una de sus más famosas obras. Una nota de color simpática es que este corto ha sido refilmado por el director, al existir un conflicto con un familiar que reclamaba algunos de los trabajos que éste realizara con financiación de su tía Lil y que, según su punto de vista, entraban dentro de la herencia que la señora de marras le había dejado.

“A Trip to the Orphanage” (2004) Dirección/Guión/Fotografía/Edición: Guy Maddin. Producción: Anastasia Geras. Efectos especiales: Ricardo Alms. Actores: Sarah Constible; María de Medeiros. 4 min. Canadá. A.T.P.Photoplay con María de Medeiros que incluye sobreimpresiones constantes de nieve y cortinas agitadas por el viento mientras un personaje desorientado emprende una peculiar búsqueda. El aria que se escucha en el film es interpretada por la propia Sarah Constible. El corto se hace durante el rodaje de “The Saddest Music in the World” utilizando algunos decorados de la película. María de Medeiros, debido a compromisos laborales, permaneció pocos días en Winnipeg para participar de esta asombrosa experiencia visual.

“Sombra Dolorosa” (2004) Dirección/Guión/Fotografía/Edición: Guy Maddin. Producción: Anastasia Geras. Arte: Olaf Dux. Efectos especiales: Ricardo Alms. Actores: Talia Pura; Cindy Marie Small; Johnnie A.Wright. 7 min. Canadá. P.M.13 años.Surrealista historia "en color" de la viuda de Páramo, la cual deberá luchar contra El Muerto, un "devorador de almas", para evitar el suicidio de su hija Dolores antes de un eclipse de sol anunciado. Cuenta con insólitos episodios como el "ballet acuático" que evoca “Tales from the Gimli Hospital” y el de la "figura paterna devorada" similar a ”The Dead Father”. Este trabajo es más narrativo comparado con otros de su autor y, decididamente, partidario del humor más absurdo. Para algunos, es equiparable a "Nude Caboose” (2006), una puesta delirante a ritmo de onomatopeyas ferroviarias, con un maquinista nudista orgulloso de sus carnes, fiel al estilo Kuchar.

Largometraje

"Cowards Bend the Knee or the Blue Hands" (2003) Dirección/Guión/Fotografía: Guy Maddin. Producción: Philip Monk. Director y productor asociado: Rubén Guzmán. Edición: John Gurdebeke. Arte: Craig Aftanas. Vestuario: Meg McMillan. Maquillaje: Beverley Hamilton. Actores: Darcy Fehr; Melissa Dionisio; Amy Stewart; Tara Birtwhistle; Louis Negin; Mike Bell; David Stuart Evans; Henry Mogatas; Victor Cowie; Herdis Maddin; Marion Martin. 64 min. Canadá. P.M.16 años.“Cowards Bend the Knee or the Blue Hands" es una tragedia griega silente. Según el propio Maddin, esta particular forma de narración puede ser aplicada de manera universal a alguna parte de nuestras vidas. Para el director, "representa la desvergonzada e irresistible autoflagelación de haber encarado un proyecto autobiográfico que aflora con la desnudez y la fuerza de un volcán". Otros atributos aplicables es que la historia combina un marcado estilo expresionista alemán; algo del montaje soviético clásico y un dejo a "film noir". Esta rica mezcla de géneros no deja de lado momentos donde asoman la culpa y el pudor en forma de "videoinstalación"; una vida vista a través de prismas y lentes tamizada por los filtros de la memoria. Testigo sonámbulo de sus propias experiencias, Maddin expresa sus visiones como si utilizara un velo nostálgico, fruto de la distancia y una desesperación callada. En su búsqueda, no escatima el humor, la melancolía y el delirio. Sus sagas parecen estar arraigadas en viejas obsesiones del pasado que se obstinan en reaparecer."Cowards Bend the Knee or the Blue Hands" recibió una Mención especial del "Premio Fipresci" en el "Rotterdam International Film Festival '03".

CINE INUSUAL EN EL CENTRO CULTURAL ROJAS: ABRIL DE 2009

Cine Inusual en el Centro Cultural Rojas


Abril: Mes de las "Librepensadoras"Martes a las 21 hs. Entrada libre y gratuita.Centro Cultural Rojas (UBA): Corrientes 2038. Ciudad Autónoma de Bs.As.

Programación general: Silvia G.Romero y Fabián Sancho
Coordinación "Área Cine y Video": Raúl Manrupe


Organiza:

. www.primordiales.com.ar (Sitio de Cine y Festivales)
. Festival de Cine Inusual de Bs.As.
. Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA)


Presentación:

Se define como "librepensador" a todo aquel que, sobre la base de la razón, escapa a los conceptos de tradición, religión y autoridad para ser dueño de sus propias decisiones. En determinado momento de la cultura de la imagen, se volvió una necesidad estética capturar algo del "desprejuicio" que tuvo en vilo a los filósofos de antaño. De la mano de algunos de los más rebeldes exponentes de la contracultura audiovisual, seleccionamos cuatro retratos de chicas indolentes que prescindieron de todo dogmatismo para imponerse en el sistema patriarcal.


Las elegidas son:


Martes 7/4: Petulia (1968) Dir. Richard Lester. Fotografía: Nicholas Roeg. Música: John Barry. Con Julie Christie; George C. Scott; Richard Chamberlain; Joseph Cotten; Arthur Hill; Shirley Knight; Roger Bowen; Richard Dysart. 105 min. EEUU. P.M.16 años.

La vida mediocre y burguesa del doctor Archie Bollen, un hombre maduro y estructurado de San Francisco, experimenta un giro audaz cuando conoce a la bella e indescifrable Petulia Danner, una muchacha incorformista que le permite escapar de los convencionalismos sociales propios de su medio profesional. Decepcionada de su marido millonario con tendencias homosexuales, también ella buscará el amor esquivo en las bondades de este temerario divorciado. La película, representativa del espíritu de los años sesenta, fue vista por la crítica de su tiempo como un fresco desenfadado y audaz de una sociedad que vislumbraba un cambio radical en los vínculos socioculturales. Exponente del cine independiente en estado embrionario, mezcla cierto dramatismo libertario con un romance estimulado por el histrionismo de la chica de oro de esa generación: Julie Christie. Basada en una novela de John Haase y dirigida por el irreverente Richard Lester, la historia se permite una pequeña intervención de la cantante Janis Joplin. Una absoluta rareza.
Martes 14/4: "Chastity" (1969) Dir. Alessio de Paola. Con Cher; Barbara London; Stephen Whittaker; Tom Nolan; Danny Zapien; Richard Armstrong; Autumn. 83 min. EEUU. P.M.18 años.

Escrita y producida por Sonny Bono, la trama sigue las tribulaciones de una chica rebelde que escapa de su problemático pasado. La joven encuentra una posible salida a su monotonía en los brazos de un simpático empleado de estacionamiento. Pero, su inconformismo la lleva a México donde termina sometiéndose a los caprichos de una maliciosa madama interpretada por la celebrada Barbara London.
La película se convirtió en una atractiva pieza escapista para los fans de los '60 y reafirmó a Cher en su ascendente carrera cinematográfica. Su hija, llamada como el título del film, fue concebida durante el rodaje. "Chastity" constituye uno de los placeres culpables de John Waters por su sentido liberal; ciertas desnudeces bien logradas y un pronunciado sabor 'camp'. La imagen de Cher haciendo auto-stop quedó como símbolo de una generación desprejuiciada y dispuesta a todo.

Martes 21/4: "Lianna" (1983) Dir. John Sayles. Con Linda Griffiths; Jane Hallaren; Jon DeVries; Jo Henderson; Jesse Solomon; Maggie Renzi; John Sayles. 110 min. EEUU. P.M.18 años.

Lianna está casada con Dick y tiene dos hijos. Sin embargo, está cansada de su matrimonio y ya no siente lo mismo por su marido que cuando se casaron. Buscando un cambio en su vida, se enamora de nuevo pero esta vez de Ruth, una profesora. Cuando la noticia sale a la luz, cada uno de los integrantes del clan familiar reaccionará de una manera diferente: Dick, como un marido engañado; los hijos, con curiosidad y sus amigos, con ambiguedad. "Lianna" fue una de las primeras cintas americanas en tratar el tema de las relaciones lésbicas de un modo anti-sensacionalista batiendo records de taquilla en algunas salas de ese país. Gracias a este film, financiado en parte por la actriz Maggie Renzi, y a su ópera prima "Baby it's You", Sayles recibió una beca Mac Arthur que le permitió afianzarse en su prolífica carrera de director. El film recuerda otro clásico del género como "Media hora más contigo".

Martes 28/4: "Yo soy la Juani" (2006) Dir. Bigas Luna. Con Verónica Echegui; Dani Martín; Laya Martí; Gorka Lasaosa; José Chaves; Mercedes Hoyos. 100 min. España. P.M.18 años

Una chica de la periferia urbana decide que no está dispuesta a ser víctima de las convenciones a las que debe someterse a diario. Sus ansias de incursionar en la actuación la lleva a romper con su novio, quien la posterga desde los quince años de edad. "Yo soy la Juani" renovó el alicaído panorama cinematográfico de su país y dio mucho que hablar, por la insolencia con la que Bigas Luna manejó los nuevos cánones de los jovenes de hoy, donde las frustraciones, las pasiones encontradas y las traiciones son moneda corriente. Dijo el realizador: "encaré el film como un proyecto en el que pretendo descubrir y apoyar nuevos talentos, y al mismo tiempo, buscar formas de innovación en todos los procesos de creación y realización de una película. "Juani" representa a la mujer española de hoy, esa que ya no es víctima del brutalismo ibérico y es capaz de tener a raya al machito de turno. Es sensible y liberada". Lo que se dice: mucho desparpajo y una olvidada frescura narrativa. Para meditar.